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很久沒有這麼熱鬧了。
自3月底，政府限制室內活動不得超過100人，台灣國際藝術節（TIFA）取消上百檔演出之後，台中國家歌劇院中劇院第一次擠入近50位藝術家。
這群藝術家已經群聚兩周，為的是5月17日舞蹈作品《無光風景》的直播首演。這齣由歌劇院駐館藝術家王連晟花兩年製作、探討機器人與盲女主從關係的作品，是「限人令」後TIFA唯一開演的節目。
5月24日國家交響樂團（NSO）在兩廳院接力舉辦沙發音樂會，由公視直播。演出前2天，傳來更好的消息，疾管局頭一遭允許500名觀眾入場，成為新冠疫情後，第一場現場與直播同步的藝文表演。
新常態：線上線下同時開展的世界
從劉若英演唱會、《無光風景》到NSO沙發音樂會，新冠肺炎逼迫歌手、藝術家、指揮家面對新常態。當多數觀眾只能在螢幕前，透過視覺、聽覺觀看，現場最珍貴的互動共感、瞬間感、儀式感要如何維持？
即使劇場重新開門，「未來線上、線下一定會融合，每個表演活動都可以思考同時展開，」最大實體活動售票平台，活動通創辦人執行長謝耀輝預言，疫情迫使大家習慣食衣住行都在線上，加上網路世代長大，勢必讓娛樂、表演藝術、論壇產業加速演化。
5月16日走進台中歌劇院，電動軌道上跑來跑去的機器人攝影機，與傳統由人操控的三台大型攝影機，醒目地圍繞在舞台前，這將是無數觀眾的眼睛。「這次拍攝比較可以發揮。因為沒有售票，不用擔心（攝影機）會擋到觀眾，鏡頭可以擺到最佳的位置，」無限映像副總經理林家緯滿意地說。
「這是台灣很少數的機會，影像會被劇場工作者好好思考，」《無光風景》製作人吳季娟也說。
3月底決定改直播，身兼編劇的導演陳侑汝與藝術總監王連晟就開始思考，如何將舞台表演，轉譯成影像敘事。
《無光風景》的舞台是盲女與男管家、小檯燈機器人生活的房間。男管家機器人很萬能，他的眼睛是一台攝影機，老盯著盲女的喜怒哀樂，房間牆上的電視呈現管家視角。小檯燈是舞台唯一的暖色光，是盲女的寵物。
在現場，觀眾可以看見整個舞台，自己決定看舞台的那些角落，自己理解作品。但如今四台攝影機是唯一進場的觀眾，導播切換那個畫面，幾乎壟斷了詮釋權。
十頁分鏡劇本的誕生
導演一定還是主導。但林家緯不諱言，一開始陳侑汝給的是個「像詩」一樣的故事大綱，詩意到「（看表演）根本對不起來，」於是他想了一個辦法。第一次看彩排，帶了四台小攝影機固定在舞台四角，回去就像看4格監視錄影帶一樣，自己串連角色關係，設想初步的分鏡。
陳侑汝也開始把劇本變完整，把角色關係按時序、因果關係寫下來。同時也思考，多了鏡頭，可以怎麼說故事。譬如：之前機器人視角只能呈現在房間牆上的電視，觀眾偶爾用眼角餘光瞄瞄。但現在可以透過鏡頭切換安排，可以讓觀眾在精準的時間，看見機械人的心情。導播與藝術家的共同創作，最後變成了一份密密麻麻，厚達十頁的分鏡劇本。
「台灣很少分鏡到這麼細的，」林家緯說明。統籌2017年世界大學運動會、幾米音樂劇《向左走、向右走》、「英雄聯盟」、「傳說對決」電競決賽轉播的林家緯，是台灣最有經驗的導播之一。
儘管雙方都作了長達一個月的準備，但14日第一次轉播攝影機進場預演，還是需要磨合。
特寫不無聊vs.侯孝賢的呼吸
負責影像的林家緯，習慣商業運鏡，擅長運用快速鏡頭切換、人物特寫，吸引螢幕前觀眾的目光、激起情緒。但「我想保留進劇場的儀式感，」製作人吳季娟希望能讓觀眾還是覺得進了劇場，能看到全部的舞台，能珍惜燈光、音場、表演者的所有設計，不要只有漂亮的特寫。
導演甚至提出，可否坐在導播的後面，指揮導播切換那個鏡頭，遭到悍然拒絕，「影像轉播是我的專業，如果藝術家要這樣，我會不惜翻臉，」林家緯說。
為了磨合，直播團隊提早3天進場，原本只需要1次的攝影機彩排，總共拍了5次。譬如：藝術家希望轉播能夠拍出轉場的燈光變化，但林家緯直言，鏡頭根本拍不出來，這時燈光就要調成鏡頭可以拍出的色溫。劇場的雷聲與雨聲，如果只做到正常劇場音效，耳機裡根本聽不到雨聲，音效設計就得調整。，
「我一直跟導播說，呼吸！呼吸！你讓我們呼吸，」後來，取代導演進入導播室的製作人吳季娟說，「導播會開玩笑說，好啦，我給你侯孝賢的長鏡頭。」
我不要當八點檔女主角
「我看完第一次轉播的帶子很驚嚇，我的媽啊！」舞者田孝慈直說，從知道要轉為直播開始，她的心中就無限恐懼，因為自己是舞者，沒有受過八點檔女主角的訓練。
她解釋，自己很熟悉舞台與觀眾席有一個安全距離。舞者習慣大肢體動作，通常只要一擺頭，丟出方向感，觀眾就可以感受。但當鏡頭很近，大動作就可能會變得很誇張，不自然，而小眼神卻會被放大檢視，「鏡頭前，你眼神一飄就會有視覺感，」演盲女的她花了一個多月，不斷調整。
直播後上線5天，《無光風景》已經累計1.1萬人次觀看。「這是我看過國內直播場最好的製作了，」台中歌劇院藝術總監邱瑗認為，在檔期很滿的國家劇場，能夠讓劇場導演與錄影導播花兩個星期搭台攜手合作，連手討論，真得非常奢侈。
「臨時轉換能做到這樣很了不起了，」雲門顧問洪凱西也說。相較於國外數位劇場是一門專業，台灣表演藝術的數位製作剛剛起步。《無光風景》的直播還是保守的鏡框式，但在國外，除了影像，為了直播或轉播，國外往往會重新設計音軌：「玩聲音的人都認同，聲音才是人腦建構空間與故事的必要元素。」
如果不是觀眾付錢，誰付錢？
「載體變了，你整個思考要重新變，」謝耀輝提醒。
他舉4月17日劉若英線上演唱會為例，相信音樂用高規格打造這場演場會，已吸引了兩岸三地1.5億人次觀看。這場演場會不賣票，卻用線上廣告回收，透過彈幕去呈現現場熱度。這場線上演唱會也找到後續的獲利出口，在KKBOX、Spotfy等串流平台上架。
「透過線上，當你少了區位的限制，很多表演不再是台北的展，可以變成亞洲的展；你的總量效果，就可以想得很大，」他認為，如果不是靠門票，線上演唱會可能是由廣告商買單。但關鍵是表演者必須有知名度。
謝耀輝認為，一旦線上數位表演變成常態，線下就必須重新思考，如何做分級，讓付費與免費的人有不同的權益、不同等級的互動：「如果只是跟從前那樣，要收費會很困難。」目前，線上演出與現場最大的差距，還是在互動。線上互動要進步，讓人願意付錢去感受，VR、資料傳輸速度等科技是關鍵，還需要新的技術突破。
「劇場不會消失，但商業模式一定會改，」吳季娟也認為。
吳季娟長期協助喜劇團體「達康.come」，這個擅長網路演出的劇團，依舊喜歡現場有觀眾，表演者與聽眾哄堂大笑互動的感覺：「沒有被哄到，笑話就是死的。」
如何在現場與數位間取得平衡，將是後疫情時代，所有體驗式經濟的新興課題。（責任編輯：吳廷勻）
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